Archiv: Projekte

Sophokles‘ Antigone ist eine der meist-analysierten und -interpretierten Tragödien überhaupt. Aber die Galionsfigur ist erschöpft. Antigone will durchlebt werden, nicht abgebildet. Sie ist nicht nur unser Material, sondern Modell – Blaupause einer künstlerischen Praxis der Selbstermächtigung.

17 KünstlerInnen entwickeln Positionen und unterschiedliche Formate, die schließlich miteinander in Resonanz treten: Animation, Video, Choreografie, Text, Skulptur und Musik treffen aufeinander, formen an 3 Aufführungsabenden ein temporär verdichtetes Netzwerk, das unter gemeinsam getroffenen Abmachungen existieren will. Wir treffen uns in ANTIGONE als einem Ort, an dem vielstimmige Positionen beginnen zu kommunizieren, sich gegenseitig zu beeinflussen, sich zu verformen. Mit ANTIGONE beleben wir das rendevouz3000-Archiv und schreiben uns gemeinsam darin ein.

Die jeweils von den KünstlerInnen ins Spiel gebrachten Standpunkte reihen sich nebeneinander, hintereinander, sie durchdringen einander und behaupten sich in ihrer Souveränität. Wir begegnen uns in der geronnenen Version einer Oper, in einem kollektiven Prozess in dem Konflikte ausgehalten und verhandelt werden.

„Das ist kein Staat der nur einem gehört.
Allein herrschst du am besten in der Wüste.“

In München gibt es eine große Bandbreite an kulturellen Angeboten. Neben dem Oktoberfest und dem FC Bayern hat die Landeshauptstadt einiges an Freizeitaktivitäten und Aufführungen zu bieten. Doch gerade in der darstellenden Kunst bekommt das Münchner Publikum oft nur die großen Häuser mit: Das Residenztheater, die Kammerspiele und das Volkstheater, genau wie die Bayerische Staatsoper und das Gasteig. Es gibt jedoch auch eine florierende Freie Szene der Darstellenden Künste, die sich auf die ganze Stadt verteilt und in den verschiedensten Formaten Aufführungen anbietet. Diese Aufführungen zeigen nicht nur die große Diversität der darstellerischen und erzählerischen Möglichkeiten, sondern bespielen auch unterschiedlichste Räume und Häuser.

Das Vermittlungsprogramm Schau mer mal hat sich zur Aufgabe gemacht, ausgewählte Aufführungen der Freien Szene Münchens sichtbarer zu machen und einen Dialog anzuregen zwischen der Münchner Stadtgesellschaft und ihren Künstler*innen. Durch Führungen, Einführungsgespräche und Vermittlungsformate sollen die unterschiedlichen performativen Herangehensweisen zugänglicher werden und die Aufführungsorte auf den Stadtplan gesetzt.

Straßburg, im Sommer 1518: eine Frau beginnt auf der Straße zu tanzen. Frau Troffea, wie die Quellen sie nennen, tanzt und tanzt. Stundenlang. Mehrere Tage. Über Monate. Andere tun es ihr nach. An die 400 Menschen sollen es gewesen sein, die tanzen, bis sie vor Erschöpfung und Schmerzen zusammenbrechen. Manche sterben. Dieser Tanzexzess ging als »Straßburger Tanzwut von 1518« in die Geschichte ein. Über die Gründe rätselt man bis heute. Neuere Forschungen vermuten in dem Tanztaumel eine Reaktion auf unsichere Zeiten. Nach den individuellen, emotionalen Gründen für das Tanzen sucht auch die Wahlmünchnerin Ceren Oran. Ihr Tanzmarathon – 10 Tage à 7 Stunden an unterschiedlichen Plätzen – speist sich aus Bewegungssequenzen, die sozial, politisch oder persönlich inspiriert sind und untereinander geteilt werden. Geteilt werden auch Materialien und Kommentare auf www.whoisfrautroffea.com.

Mit der Uraufführung Who is Frau Troffea? bei DANCE 2019 präsentiert die 1984 in Istanbul geborene Tänzerin, Choreografin und Soundpainterin ein weiteres Ergebnis ihrer andauernden Recherche zum erschöpften beziehungsweise sich erschöpfenden Körper. In ihrem Stück Rush Hour (2017) trieben Laufbänder die PerformerInnen bis an ihre Grenzen und darüber hinaus. Wie weit kann ein Körper gehen? Wie lange können die Tanzenden die performative Qualität aufrechterhalten? Während sich die Choreografie über acht Stunden lang anreichert, lassen die Körper mehr und mehr nach. Zufällig vorbeikommende PassantInnen und zielgerichtetes Publikum sind konfrontiert mit zunehmend abgekämpften Tänzerinnen und Tänzern. Sie tauchen während des Festivals an unterschiedlichen Plätzen Münchens auf. (Infos auf: www.whoisfrautroffea.com)

Ihre Interventionen in den sozialen Alltag der Stadt nehmen Bewegungsmotive politischer Proteste auf, die ikonisch geworden sind: die junge Frau Jan Rose Kasmir, die während der Anti-Vietnamkriegsdemonstrationen 1967 mit einer Blume vor der amerikanischen Nationalgarde stand, der Tank Man, der sich mit zwei Einkaufstüten in den Händen vor die Panzer auf dem Platz des Himmlischen Friedens stellte, und der Standing Man, dessen Bild 2013 vom Taksim-Platz aus um die Welt ging. Zudem recherchierte Ceren Oran, die ihr Studium 2006 mit einem MA in International Choreographic Exchange am Salzburger SEAD abschloss, warum Menschen überhaupt tanzen. Die TänzerInnen ihres internationalen und multiethnischen Teams ließen ihre eigenen Geschichten und Erfahrungen einfließen. Je persönlicher ihr Tanz, umso überzeugender, sagt Ceren Oran. Ihr Kernteam stammt aus Deutschland, der Slowakei, der Türkei, Israel und Kolumbien. Ergänzt wird es um Studierende von SEAD – Salzburg Experimental Academy of Dance. Die Musik für Who is Frau Troffea? stammt vom Komponisten und DJ Hüseyin Evirgen, der viel Erfahrung mit Langzeit-Live-Acts hat. Eine mehr als acht Stunden dauernde Techno-Landschaft funktioniert ohne Sampler oder Computer auf elektronischen Musikinstrumenten und via Sound-Generatoren. Das vorproduzierte Material, eine Art Rohversion, wird in einem Take gespielt und aufgenommen. Spezielle Soundsignale orientieren die TänzerInnen und hre Körper in Leidenschaft und Erschöpfung, in Dynamik und Stille.

Die junge Performance-Künstlerin Lulu Obermayer zeigt zum ersten Mal ihre Puccini-Trilogie an zwei Abenden: Manon Lescaut, Tosca und The Girl(s) of the Golden West. In ihren Arbeiten bedient sie sich am dramatischen Kanon und isoliert Frauenfiguren aus ihren Handlungen mit dem Ziel, ihnen Sein und Eigensinn zu gewähren. Anhand der Beispiele Manon, Tosca und Minnie wird weibliche Existenz in der Oper dekonstruiert und neu verhandelt. Dabei überlappen sich der emotionale und theatrale Apparat unter Verwendung von Elementen aus Oper, Film, Choreografie und Performance.

In Manon Lescaut, 2017 an den Münchner Kammerspielen uraufgeführt, verwendet Lulu Obermayer die letzte Arie vor Manons Tod und ersetzt das Orchester durch ihre Stimme. Es ergibt sich ein chorisches Ich, welches gegen den Tod ansingt. Die Aussage „Ich will nicht sterben!“ wird in der Wiederholung zu einem Ausdruck des „Am Leben-Seins“. Manon läuft gegen die Zeit, verhält sich widerständisch gegen das operntypische Narrativ des weiblichen fetischisierten Todes auf der Bühne und reflektiert in einer multimedialen Performance über die Möglichkeiten einer weiblichen/menschlichen Existenz auf der Bühne und in der Wüste.

In Tosca (2016) werden 9 Takte der Arie Vissi D´Arte isoliert und geloopt. Es findet ein Duett zwischen der Performerin und den Lautsprechern statt, das Toscas Maxime reflektiert: Was bedeutet ein Leben für die Kunst, für die Liebe? Ist das überhaupt möglich? Und ist es nicht unvermeidlich, jemandem zu schaden? Tosca wurde bereits in Brüssel, Bordeaux und Berlin gezeigt und ist nun zum ersten Mal in München zu sehen.

Die dritte Puccini-Oper La Fanciulla del West spielt während des kalifornischen Goldrausches 1849/50. Hier trifft Oper auf Westernfilm: The Girl(s) of the Golden West bricht mit gängigen Darstellungen in beiden Genres. Anstelle des einsamen Cowboys wird die western- und opernuntypische Protagonistin Minnie auf ihr feministisches Potential untersucht. Lulu Obermayer schreibt sich in ihrer autofiktionalen Solo-Performance, die 2018 im HochX uraufgeführt wurde, in den Mythos der Vereinigten Staaten ein, die sich mit dem Innenleben der fiktionalen Figur der Minnie und der Biografie der Künstlerin überlagert – eine weibliche (Traum-)Landschaft zwischen Realität und Fiktion.

„Zu fassen ist Lulu Obermayer nicht, aufzuhalten schon gar nicht. Selbst wenn sie nicht vom Fleck kommt, bietet sie sich opernumtost und bewegend an: als einsame Projektionsfläche feministischer Freiheitsträume.“ (Abendzeitung)

Ein Schauspieler unter TänzerInnen. So bewegungsbegabt Toni auch sein mag und so sehr er sich bemüht, ein Teil der Tanzwelt zu sein, er ist unbestreitbar unterschiedlich.

Toni is lonely ist eine Tanz-Theater-Performance, in der die einsamsten Momente des Lebens erforscht werden. Erzählt wird dies von einem Mann in einem Tanzstück, der kein Tänzer ist. Das offensichtliche physische Gefälle nutzt die in München lebende kanadische Tänzerin und Choreografin Jasmine Ellis als Chiffre für den Wunsch, sich mit anderen zu verbinden. Wie das Stück Empathy (2017) entstand auch Toni is lonely in enger Kollaboration aller Beteiligten. Hier sind vier KontrabassistInnen mit auf der Bühne und kommentieren mit ihrer Musik das Geschehen.

Jasmine Ellis zitiert eine US-amerikanische Studie, nach der ein Viertel der befragten Personen die Zahl ihrer Vertrauenspersonen mit „Null“ angaben, was die häufigste Antwort auf diese Frage war. Wie hängt diese Beobachtung mit unserer ständigen Präsenz und Verfügbarkeit in den sozialen Medien zusammen? Isolieren wir uns eher, als um Hilfe zu bitten? Wie viel an Gemeinschaft und Gemeinsamkeit ist überhaupt noch möglich? Fragen wie diese bilden den Hintergrund für Jasmine Ellis Stück Toni is lonely, das den Theaterschauspieler Philip Dechamps einem Tanz-Environment aussetzt. Je virtuoser die TänzerInnen agieren, desto manifester wird sein Unvermögen und doch baut er die emotionale Brücke ins Publikum.

Wie nebenbei kontrastiert Jasmine Ellis, die in Toronto und bei Codarts in Rotterdam studiert und unter anderem für Constanza Macras / Dorky Park getanzt hat, bundesdeutsche Postdramatik mit nordamerikanischer Tanztradition.

Vor 100 Jahren machten die Münchner*innen Revolution. Sie „standen an der Schwelle zu etwas ganz Großem, etwas, was noch nie dagewesen war“. Endlich Meinungsfreiheit, endlich Mitbestimmung, endlich Demokratie! Doch wie funktioniert das eigentlich? Was ist davon noch übrig, was längst verschwunden? Und was sollten wir dringend mal wieder einfordern?

AKA:NYX aus München und PandoDrama aus Budapest laden in vier verschiedenen partizipativen Theaterformaten zum Mitdenken, Mitmachen und Mitschreien ein.